Kim Nora Stenson | New York Times | 40 x 40 | Acryl auf Leinwand | 460 CHF

Die Künstler Marion Duschletta, Bruno Stettler und Hartmut Kaiser werden anwesend sein. Als neue Künstlerin im Bereich Pop Art freuen wir uns Ihnen an der Vernissage auch Kim Nora Stenson vorstellen zu dürfen.

Marion Duschletta: Zürich Collage (Nr. 307)| 100 x 120 cm  | Foto, Mischtechnik auf Leinwand | 1’990 CHF

Marion Duschletta Steh Zurichsee Tripdichon| 3 x 40 x 100 cm | Mischtechnik a. LW. | 1'690 CHF

MARION DUSCHLETTA: Im Dezember 1972 in Graubünden geboren und aufgewachsen. Seit 2004 hauptberufliche Malerin.

Zu gemütlicher Chill Out Musik servieren wir unsere berühmten Hot Dogs, kühles Bier und Prosecco. Ausserdem führen eine kleine Spezialaktion durch: wenn Sie Lust haben, können Sie während der Vernissage auch beim Erstellen eines Werkes von Marion Duschletta mitmachen -  die Einnahmen aus dem Verkauf kommen vollumfänglich dem Kinderspitex Zürich zugute.

KUNSTWARENHAUS
Stockerstrasse 11
CH-8002 Zürich
T +41 44 4005849
www.kunstwarenhaus.ch

Lustvoll in der riesigen Menge von 5000 qualitativ hochwertigen Unikaten stöbern, über Kunst diskutieren, auswählen und zu unschlagbar günstigen Preisen kaufen – das können die Besucher des 13. Schweizer Kunst-Supermarkt in Solothurn. Eröffnung in 3 Wochen.

Der Name ist Programm und doch nicht: Zwar findet man im Kunst-Supermarkt wie in jedem Supermarkt eine grosse Auswahl, zwar sind die Preise enorm günstig und die Präsentation ansprechend, damit hören die Parallelen zum normalen Supermarkt aber auf. Im Solothurner Kunst-Supermarkt finden sich ausschliesslich handsignierte Unikate – keine Drucke, Kopien oder Massenware. Alle 81 teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler stellen mindestens 40 Bilder, aufgeteilt in vier Preiskategorien (CHF 99.-, 199.-, 399.- und 599.-) aus.

Die unkonventionelle Ausstellung findet vom 9. November bis zum 6. Januar 2013 in der Solothurner RothusHalle statt.

Der Kunst-Supermarkt richtet sich an Kunstkenner, die ein Schnäppchen machen wollen, aber auch an Laien, welche sich aus purer Freude ein Original erstehen möchten. Eine klare Preispolitik und ausgesuchte hochwertige Arbeiten sind die Grundsteine des Erfolges. Ein Drittel der ausstellenden Künstlerinnen und Künstler zeigen ihre Werke zum ersten Mal am Kunst-Supermarkt. Es gibt also viel Neues zu entdecken!

Die öffentliche Vernissage des 13. Schweizer Kunst-Supermarktes findet am Donnerstag, 8. November, um 18.00 Uhr in der RothusHalle an der Schöngrünstrasse 2 in Solothurn statt.

Kunst-Supermarkt
c/o Rothus Verlag
Schöngrünstrasse 2
4500 Solothurn
Web: Schweizer Kunst-Supermarkt

Arno Rink, Späte Versuchung, 2012, Oel auf Leinwand, 120 x 90 cm

Vom 12. Oktober bis zum 23. November zeigt die Galerie Schwind in Frankfurt am Main eine Einzelausstellung mit den neuesten Gemälden des Leipziger Malers Arno Rink (*1940). Zu sehen sind vor allem Atelier- und Figurenszenen aus den letzten beiden Jahren.

Arno Rink studierte von 1962 bis 1967 an der Leipziger Hochschule für Grafik und Buchkunst bei Werner Tübke und Bernhard Heisig. Bedeutung und Anerkennung erlangte er nicht nur mit seiner Malerei, sondern auch in der Rolle als Rektor der Kunsthochschule über die Wendezeit hinweg von 1987 bis1994.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die neuesten Arbeiten des Künstlers. In Ihnen setzt er sich insbesondere mit den lange tradierten Themen des Künstlerateliers und des weiblichen Akts auseinander. Das Sujet des eigenen Ateliers taucht im Werk Arno Rinks erstmalig 1990 auf und beschreibt den Rückzug ins Private, den er wie so viele andere Künstler aus der DDR suchte. Doch erst in den letzten beiden Schaffensjahren gewinnt das Atelierbild als Auseinandersetzung mit dem eigenen Künstler-Sein zentrale Bedeutung. Fast immer ist der Maler auch selbst im Bild, malend an der Staffelei oder am Schreibtisch. Ätherische Frauengestalten tauchen dabei als flüchtige Visionen aus dem Bildhintergrund auf.

Formal wirken diese Bilder des Spätwerks strukturell offener als die früheren. Linien und Formen werden nicht selten nur sparsam angedeutet, Rink spielt mit dem Reiz des Unfertigen. Unverändert ist allerdings die große Sinnlichkeit, die der Darstellung seiner Rückenakte und weiblichen Gewandfiguren innewohnt und auf den Betrachter wie eine faszinierende Versuchung wirkt.

Eröffnung in der Galerie Schwind Frankfurt am Main.
Freitag, den 12. Oktober 2012 um 19 Uhr.

Ausstellungsdauer: 12. Oktober – 23. November 2012.

Galerie Schwind | Frankfurt
Fahrgasse 8 | 60311 Frankfurt am Main
Tel.: 069- 5964263

Herbert Distel

Vielseitige Experimentierfreudigkeit
Aus Anlass des 70. Geburtstags des Berner Künstlers Herbert Distel (*1942) zeigt das Kunstmuseum Bern eine Hommage an den vielseitigen Gegenwartskünstler. Als Maler, Filmemacher, Video- und Tonkünstler, Plastiker, Installations- und Konzeptkünstler arbeitet Distel in verschiedensten Medien. Zu seinen bekanntesten Aktionen/Werken zählen das Projekt Canaris (1970) und Das Schubladenmuseum (1970 – 1977). Die ausgestellten Werke aus der Sammlung des Kunstmuseums Bern stammen aus verschiedenen Schaffensphasen und bieten einen kleinen, aber konzentrierten Werküberblick.
Das Ei, das den Atlantik überquerte
Im Zentrum der Hommage steht das hintersinnige Projekt Canaris: 1970 organisiert Herbert Distel die Atlantiküberquerung eines drei Meter langen, mit einer Kamera ausgerüsteten Polyester-Eis, das er am 10. Juni 1970 am westlichsten Punkt der Kanarischen Inseln dem Meer übergab – in der Hoffnung, die Atlantikwinde und -strömungen würden es in der Karibik oder in Mittelamerika wieder an Land spülen. Das Ei wurde schliesslich am 24. Februar 1971 an der Nordküste von Trinidad gefunden, wo es, getrieben von sturmartigen Winden, an den Felsen zerschellte. Für die Vorbereitung der Aktion war der Einbezug verschiedenster, kunstfremder Experten und Personen notwendig. Neu am Projekt Canaris war nicht unbedingt die Zusammenarbeit mit unterschiedlichen Wissenschaftlern, sondern vielmehr die Betreuung der Aktion durch eine PR-Organisation. Distel ist somit einer der ersten, die das Organisieren und Managen von Kunstaktionen als wesentlichen Bestandteil ins Werk integrierte und die Steuerung der Rezeption unabhängig von der Institution eines Museums erprobte. Dieser ganze Prozess bis hin zur Realisierung der Aktion fand ihren Niederschlag in verschiedenen Werken: In der Landkarte (1970) sind der voraussichtliche Kurs, die Driftdauer und das Landungsgebiet für verschiedene Aussetzmonate des Eies eingetragen, die das Deutsche Seewetteramt der Universität Hamburg berechnete. Der vom WDR produzierte Film (1970) zeigt die Reise des Eis von der Schweiz bis zur Wasserung. Eine Übersicht über die umfangreiche Korrespondenz im Zusammenhang mit der Planung sowie die breite Rezeption der Aktion bietet der Ordner mit den Dokumenten, Briefen, Fotos und Zeitungsberichten aus den Jahren 1969 bis 1974.
Frühe Skulpturen, Foto und Film
Distels Frühwerk ist geprägt durch die Auseinandersetzung mit der Skulptur. Waren die Skulpturen anfangs noch weiss, setzt Distel seit 1965 auch Farbe ein. Mit dem geschmeidigen, fügsamen und neutralen Kunststoff Polyester, der zu jener Zeit gerade auf den Markt kam, hat Distel ein Material gefunden, mit dem sich die gewünschte Perfektion erzielen lässt, die für die Makellosigkeit von Form und Farbe essentiell ist. Ohne Sockel direkt auf dem Boden platziert entfalten diese elementaren Farbskulpturen eine suggestive Kraft und beeinflussen die Wahrnehmung des Raums. Neben skulpturalen Werken aus Polyester (1965–1970) sind Fotoarbeiten aus den 1990er Jahren und Filme zu sehen. Ein Thema, mit dem sich Herbert Distel immer wieder beschäftigt, ist die Fiktionalität menschlicher Existenz. Dies wird z.B. deutlich im Selbstporträt Werde, der du bist, einer Fotografie aus dem Jahre 1992. Offensichtlich wird hier auch die Wandlungsfähigkeit und Experimentierfreudigkeit des Künstlers selbst, welche ihn immer wieder dazu veranlasst, seine Ideen mit neuen Materialien und Medien umzusetzen. Seit 1974 experimentiert Distel mit den Medien Film und Video. In der Ausstellung sind Layla in Camp, Majnun lying without (1975), Die Reise (1987), die mehrfach ausgezeichnete Videorecyling-Collage die angst die macht die bilder des zauberlehrlings (1987–1993) sowie das erst kürzlich fertig gestellte Video DENK MAL (2007-2012) zu sehen.

Brigit Bucher. Louise Suter
Kunstmuseum Bern
Hodlerstrasse 8-12
3000 Bern 7
www.kunstmuseumbern.ch

out of the series: “720”, C-Print, 50 x 60 cm edition 8 and 100 x 127 cm edition 5

ANDREW PHELPS
“720“ (2 times around)
When I dream of skateboarding, I´m Mike Mcgill.
When I dream of photographing, I´m Robert Adams.
(Andrew Phelps)

ERÖFFNUNG
Sonntag, 21. Oktober 2012, 19.00 Uhr Dauer bis 17. November 2012

BRUNNHOFER GALERIE
www.brunnhofer.at/galerie

Esther Rusterholz: "Licht-Partikel"

Der Ausstellungsraum des Kunstmuseum Bern im PROGR bietet einen Mix aus unterschiedlichen Ausstellungs- und Kooperationsformen mit verschiedenen künstlerischen Institutionen in und um Bern. Im Oktober wird die Videoarbeit Karaoke Night (2009) der jungen Berner Künstlerin Quynh Dong gezeigt, welche die Bernische Stiftung für Foto, Film und Video FFV für die Sammlung des Kunstmuseums Bern erworben hat.

Quynh Dong kam 1982 in der Hafenstadt bei Hanoi, Hai Phong, zur Welt und lebt seit 1990 in der Schweiz. Die Performance- und Videokünstlerin beschäftigt sich in ihren

Huynh Dong

Werken mit dem Wesen der Erinnerung und der Frage nach kultureller Verortung. Sie sucht nach Formulierungen von Heimat und bedient sich dazu autobiographischen Materials. Ihre Arbeiten erzählen poetisch und humorvoll von Sehnsucht, Begegnungen, geografischer Distanz und kultureller Differenz. In Auseinandersetzung mit dem Videofilm Reasons for Knocking at an Empty House (1983, s/w, Ton, 19 Min.) von Bill Viola (Kunstmuseum Bern) entstand ihr Videofilm Karaoke-Night (2009, Farbe Ton, 29 Min. 46 Sek., Regie: Matthias Günter). Der Film zeigt die Künstlerin selbst, wie sie ganz alleine in einem inszenierten vietnamesischenischen Karaokeraum eine Nacht lang Karaoke singt. Abends leuchten kitschige Lichterketten und die junge Frau singt voller Inbrunst vietnamesische Liebeslieder, während durch die Nacht hindurch ihre Begeisterung nachlässt und morgens alle Illusion nicht nur über Liebe, sondern auch über die Poptraumwelt des Karaokeuniversums der Ernüchterung weicht. Während Quynh Dong auf diese Weise ihre eigene Sehnsucht nach Vietnam zum Ausdruck bringt und die Begeisterung ihrer Landsleute für diese Unterhaltungsform sanft persifliert, variiert sie gleichzeitig die Versuchsanordnung von Bill Violas Video. Dieses bestand darin, dass der Künstler im Selbstversuch während dreier Tage und Nächte ohne soziale Interaktion in einem Raum ausharrt.
Vom 04.10.2012 bis 20.10.2012.

Watch the Video: http://quynhdong.ch/kn.html
Kunstmuseum Bern
Hodlerstrasse 8-12
3000 Bern 7
www.kunstmuseumbern.ch

Jean-Pierre Schmid

Schattenriss
Der vorliegende Bildzyklus „Schattenriss“ ist die vorläufige Summe meiner bisherigen bildnerischen Tätigkeit und entwickelte sich aus dem bis 2010 entstandenen grafischen Zyklus „Der Tuchbruch“.
Während in den Blättern des „Tuchbruchs“ collagierte Elemente Ausgangspunkt zur druckgrafischen Umsetzung waren, werden diese jetzt direkt in das Bild eingesetzt.
Mit der Schere ausgeschnittene, mit der Hand gerissene eingefärbte, unterschiedliche Materialien werden auf Holztafeln oder Papier geklebt, überzeichnet und übermalt. Die reduziert eingesetzte Farbe, vorwiegend Blau, Gelb, Schwarz und Grau, und die sehr einfach gehaltenen Formen sind ein Spiel mit Licht und Schatten, machen innen zu aussen, schwer leicht und begrenzten Raum unbegrenzt (2012 Jean-Pierre Schmid).

Weitere Informationen und die Abbildungen “Wolkenvögel über Nachtschattengewächsen”  und “Schattenindustrie” von Jean-Pierre Schmid finden Sie in unserem Artikel:
Bildzyklus Schattenriss (2012)

Jean-Pierre Schmid: "Schattenindustrie" 2012

Jean-Pierre Schmid
Schattenriss
Originalgrafiken    Bilder  Skulpturen

27. Oktober 2012 bis 24. November 2012
Galerie KAT, CH-8004 Zürich Kanzleistrasse 164 a
Vernissage SA 27. 10. 2012 16 00 bis 20 00 Uhr
Finissage    SA 24. 11. 2012 16 00 bis 20 00 Uhr
Samstag geöffnet    von    16 00 bis 20 00 Uhr
und nach Vereinbarung    Mobile    (+41) 079 900 72 02
Web: www.laconicum.ch/schmid/

LAC a le plaisir de vous inviter au vernissage de l’exposition
du Collectif indigène (Adréanne Oberson & Jean-Marie Reynier)

“La Carafe d’eau du robinet est à deux euros”

samedi 06.10.2012 dès 18h en présence des artistes

L.A.C.  (Local d’Art Contemporain)

Ouverture: du mercredi au dimanche 14h00 à 18h30 – samedi dès 10h00

www.lacvevey.ch

8, ruelle des Anciens Fossés (derrière l’Hostellerie de Genève) – 1800 Vevey
Téléphone +41(0) 21 922 60 68  mobile +41(0) 78 840 35 43

Ausstellungsraum Klingental

Herzliche Einladung zum Video-Screening im Rahmen der Ausstellung “Fantasy” im Ausstellungsraum Klingental!

mit Beiträgen von:

MISHA ANDRIS
MARTIN CHRAMOSTA
LENA ERIKSSON
PATRICK GRAF
STEFAN KARRER
MATHIAS KASPAR
ALINE ZELTNER

Donnerstag, 11. Oktober, 19 Uhr Video-Screening und Bar

Eine Ausstellung mit Misha Andris, Martin Chramosta, Mathias Kaspar und Aline Zeltner, kuratiert von Lena Friedli, 30. September bis 4. November 2012.

Vernissage: 29. September, ab 18.00 Uhr Konzert mit Expo 70 und Ancient Ocean (USA), in Zusammenarbeit mit klappfon 11. Oktober, 19.00 Uhr: Video-Screening

—————————————————————————–
Ausstellungsraum Klingental
Kasernenstr. 23  |  4058 Basel  |  Schweiz  |  +41 61 681 66 98  |  www.ausstellungsraum.ch
DI – FR 15:00 bis 18:00
SA/ SO 11:00 bis 17:00

Devin Miles

Er ist ein shooting-star der deutschen Kunstszene und avancierte mit seiner Modern Pop-Art von 0 auf 100 in nur vier Jahren.1961 in Krefeld geboren, widmete Devin Miles sich von 1990 bis 2004 der Acryl- und Ölmalerei sowie dem Grafikdesign. Ab 2005 führte ihn seine künstlerische Laufbahn von der Malerei zum Siebdruck und er setzte seine Erfahrungen in eine gelungene Symbiose aus Siebdruck und Malerei um.
Devin Miles schuf eine ihm eigene, neue Stilrichtung der Moderne. Bereits 2007 hatte er seine erste Ausstellungen mit der MTZ Stiftung, „for a better future“ in Berlin, Hamburg, München und Köln. Bis heute folgten weitere Ausstellungen in Deutschland, Österreich, Frankreich, Dänemark, Schweiz, und Malibu/USA, eine Museumsausstellung mit Werken von Andy Warhol und Robert Rauschenberg sowie Auftragsarbeiten für Heidi Klum, Seal, Anastasia, Shakira, Telekom, Seat, VW und Audi.

Devin Miles verbindet das ausgeklügelte und Fingerspitzengefühl erfordernde Siebdruckverfahren mit der freien Malerei. Mit ansprechenden Motiven, dynamischem Duktus, komplexen Darstellungsformen und einer ausgereiften Technik belebt Devin Miles die Kunstszene. Neben den fotorealistischen Unikaten ist es vor allem die Siebdrucktechnik, die in seinem Schaffen eine zentrale Rolle spielt.
Der Siebdruck wurde in den 60er-Jahren durch die Pop-Art Künstler revolutioniert. Pop-Art ist für Miles eine Richtung, die immer “Up to date” bleiben wird. Sie hat ihre Zeit genauso überdauert wie die Mythen der Stars, zu deren Ruhm diese populäre Kunstrichtung beigetragen hat.

Devin Miles adaptiert die Pop-Art nicht einfach, er entwickelt sie weiter und bringt sie auf einen neuen Stand. Im Bereich der drucktechnischen Innovation hat Devin Miles neue bahnbrechende Möglichkeiten entwickelt. So druckt er auf handgebürsteten Aluminiumplatten. Dieses Material trägt wesentlich zu der erstaunlichen Wirkung der Motive bei. Aus jedem Betrachtungswinkel und vor allem bei wechselndem Licht wirken die Arbeiten verschieden und setzen so immer wieder neue Akzente. Feine Reflexionen dynamisieren die Oberflächen. Ein weiterer wesentlicher Faktor, der die Tiefenwirkung der Arbeiten von Devin Miles bestimmt, ist die Vielzahl der Siebe, die zur Anwendung kommen. 14 Siebe und mehr schaffen einen differenzierten Eindruck und sorgen für die entsprechende Vielschichtigkeit. Die Kunstwerke sind reine Handarbeit von der Grundierung über die Malerei mit Farbverläufen bis hin zum Handsiebdruck.

Atelierspuren Kunst & Design
Hannelore de Hoogd
Fillastraße 13
49716 Meppen

Galerie für moderne Kunst, ständige Ausstellung renommierter Künstler wie Otmar Alt, James Rizzi, Udo Lindenberg, Gigi Banini, MÁRA!, Herman van Veen, Michael Ferner, Petra Stahl, Ulrike Völkl-Fischer, Rose Richter-Armgart – sowie Sonderausstellungen.

An interactive work by Pier Giorgio De Pinto

BYOB (Bring Your Own Beamer) Vevey is the idea of an ephemeral projection night, an explosion of images in a raw and unusual space. “Le Champignon” (the mushroom), an old white public covered parking lot from the 30′s will become an open museum for the night.

A smell of California dreaming, of old style Hollywood pin up, of seaside and of end of summer, that’s for the setting. For the rest, one remembers we are in 2012, and artists are ready to revisit time, to let shade away that glossy feeling to reinvent the imaginary of the space.

During the last week of the Festival Images in Vevey , in the middle of a city full of still pictures, a window is given to twenty artists from Vevey, from Switzerland and even from Europe, to meet for the occasion and invent a one night show. As the festival proposes a main exhibition SHOOT! – The essentialist photography curated by Clément Cheroux with artists such as Christian Marclay, Roman Signer or Niki de Saint Phalle, this one night event will continue the shooting.

Get ready! From floor to ceiling and without any restrictions, images and sounds will meet, mix and contaminate each other. What will they imagine? What will they propose? What is there to expect? That’s a surprise even for us. We don’t know, no one knows, not even the artists. Carte Blanche were given to Raquel Banea, Estelle Bourdet, Ricardo DaSilva, Pier Giorgio De Pinto, Chloe Delarue, Simon Deppierraz, Jacques Duboux, David Excoffier, Julien Gremaud, Emilie Guenat, Thomas Koenig, Maud Lemonnier, Celine Masson, Collectif Metahub, Piera Peca, Delphine Renault, Maya Rochat, Lisa Roehrich, Rebecca Salvadori and Camille Scherrer to surprise us, and every hour the setting will change, the images will be projected on other walls and the whole meaning of the first proposal will switch to another one, and another one, and again until midnight.

About BYOB: In 2010, Rafaël Rozendaal (*1980) created in Berlin this possibility of an exhibition with a ʻreusableʼ concept, possibility that was then right away taken and reused all over the world. Only imposed rules of the game: find a space, invite many artists, ask them to bring their projectors.

BYOB (Bring Your Own Beamer) Vevey – Malibu Mermaid

One night exhibition curated by Stéphanie Serra and Manuel Sigrist in the framework of the Festival Images Vevey.

Thursday 27 September 2012, 8.30 – 12.00 p.m.

Le Champignon, rue de la Madeleine / rue du Torrent, 1800 Vevey, Switzerland

DesignMarkt

Der DesignMarkt Basel findet in diesem Jahr am 22. und 23. September 2012 in der Dreispitzhalle im Kunstfreilager statt. Station Dreispitz, Eingang Tor 13 und der Beschilderung folgen.

Der DesignMarkt bietet in den Bereichen Mode, Möbel + Produkte sowie Schmuck + Accessoires Designern eine Präsentations- Netzwerk- und Verkaufs-Plattform. Während den zwei Tagen wird das Kunstfreilager Dreispitz zum Schauplatz für zeitgenössisches Design aus der Region. Die Besucherinnen und Besucher können sich auf über 50 Labels mit ihren innovativen Originalen und neuen Produkten freuen. Für das kulinarische Wohl sorgen verschiedene Anbieter vor Ort.

Die Anmeldeunterlagen sind hier:
http://www.designmarkt.ch/

Alanus Europäischen Forum

Im Val di Blenio findet zum dritten Mal ein Kunst – Symposion mit ausgewählten Künstlern statt. 12 Künstler aus der Schweiz und Deutschland leben und studieren für drei Wochen in Torre zusammen. Unter der organisatorischen und künstlerischen Leitung von Prof. Andreas Reichel und Stefanie Gather findet ein zweigeteiltes Programm statt. Unter dem Titel „inpressivo“ beschäftigen sich die Symposion – Teilnehmer mit Kunsttheorie und mit den Blenio – typischen Eigenheiten der Natur, der wilden und rauen Berglandschaft, und der Kultur der Einheimischen, ihren Dörfern und den Kirchenmalereien. Jeder der Künstler lässt sich an einer tessiner Besonderheit inspirieren und verbindet sie mit seiner eigenen Schaffensidee. Dabei entstehen sehr verschiedene und eigene Motive, die mal mehr und mal weniger ihre Verbindung zum Ort zeigen. In expressiv malerischem Duktus entstehen farbenkräftige Gemälde, feines zeichnerisches Graphitrauschen wird dem Sprudeln der Bächen abgelauscht, aus Fundstücken vom Tal, Holz, Küchengeräte und Leder werden skurrile Arrangements kreiert, organische Formen in Stein gehauen und eine Performance beschäftigt sich mit einem Märchen. In der finalen Ausstellung „espressivo“ sind die Ergebnisse für die Öffentlichkeit zu sehen. In der ehemaligen Schokoladenfabrik werden Malerei, Bildhauerei, Objekte, Installation und Zeichnung gezeigt.

Veranstalter sind das Alanus Europäischen Forum e.V. und die Westfälischen Gesellschaft für Weiterbildung e.V. /BRD, in Kooperation mit M. und M. Venturini aus Aquila /CH.

Ausstellung in Ex-Fabrik Cima Norma SA, 6717 Torre Tel.: o79 518 99 79
Datum: 29. September 2o12, 11:oo bis 2o:oo Uhr
Finissage um 17:oo Uhr

http://alanus-forum-ev.blogspot.ch/

giuseppe giacomo buzzi

12. Mai bis 3. Juni 2012-04-02

Vernissage: Samstag, 12. Mai, 14 Uhr- Finissage: Sonntag, 3. Juni, 15 Uhr

Voici des images de ma performance Loukoum présentée hier soir dans le cadre de |FAT| Fashion Art Toronto. Ce fut un grand moment pour moi, de pouvoir présenter ce travail sur la rampe de défilé !
Je remercie mes collaborateurs, mes sponsors et Pro Helvetia qui a soutenu l’aventure outre-Atlantique

Video

“Kunstmachen heisst, man macht das, was man kann und das, was man gerne macht ! ” so erklärt  Zilla Leutenegger die neueste Serie ihrer “Delete”-Arbeiten. Zilla entspannt sich (wie auch viele Menschen) beim Putzen und dies kommt auch in ihren Delete-Video-Bildern zum Ausdruck. Durch die Bewegung auf den Videos bringt sie den Aspekt “Zeit” in ihre Kunstwerke, so erläutert sie im Video. Zilla Leutenegger kombiniert in ihrer Wandarbeit, die sie im Rahmen der Intensif-Station in der Kunstsammlung NRW / K21 präsentiert, die Medien Video und Malerei und fügt sie zu einer interaktiven Arbeit zusammen. Dieser Bruch mit Realität, in der eine gezeichnete und animierte Putzfrau den gemalten Teppich wegzusaugen scheint, machen ihre meist stillen Arbeiten zu spektakulären Gesamtkunstwerken.
Zilla Leutenegger – Intensif Station Kunstsammlung NRW

Zilla Leutenegger 2012

Quelle: Youtube
Ein Film von Ralph Goertz
© IKS-Medienarchiv / K21
www.iks-medienarchiv.de
www.kunstsammlung.de

Markus Kayser - Solar Sinter Project

Der Londoner Designer Markus Kayser stellt 3-D-Produkte nur aus Sand und Sonne her

In a world increasingly concerned with questions of energy production and raw material shortages, this project explores the potential of desert manufacturing, where energy and material occur in abundance.
In this experiment sunlight and sand are used as raw energy and material to produce glass objects using a 3D printing process, that combines natural energy and material with high-tech production technology.
Solar-sintering aims to raise questions about the future of manufacturing and trigger dreams of the full utilisation of the production potential of the worlds most efficient energy resource – the sun. Whilst not providing definitive answers this experiment aims to provide a point of departure for fresh thinking.

Markus Kayser – Solar Sinter Project (Official HD video)

www.markuskayser.com

Markus Kayser- 282a Bethnal Green Rd – E2 0AG London

contact(at)markuskayser.com

c) Genêt Mayor

Dans le cadre du 30ème  Cully Jazz Festival Genêt Mayor “Jazzy Jeff ”

Vernissage vendredi 13 avril dès 18h30

Exposition du 13 au 21 avril 2012
davel 14

Geboren im Jahr 1976, lebt und arbeitet Genêt Mayor in Cheseaux. Er ist hat die Ecole Cantonale d’art de Lausanne (ECAL) auf dem Gebiet der visuellen Kunst abgeschlossen und gibt zur Zeit an der Haute Ecole d’art et de design  (HEAD) in Genf Zeichnungsunterricht. Er hat im Jahr 2000 in Lausanne den Preis Manganel erhalten und nimmt seit 1999 regelmässig an Kollektivausstellungen in der Schweiz und Europa (Brüssel, Paris, London) teil.

Die auf dem Plakat in Szene gesetzten Rinden sind zwar individuelle Stücke, die sich jedoch gleichen. Genêt hat sich vorgestellt, dass sie ein Volksstamm bilden, in dem jeder seine eigene Persönlichkeit hat : Einige sind fesselnd, andere streng, einige sind weich und verklemmt, andere sind schön.

In seinen Augen kann der duch diese Rinden gebildete Volksstamm gleichzeitig das Publikum des Festivals, die Musiker und die verschiedenen Arten von Musik representieren. Mit dem kunterbunten und dennoch verbindenden Charakter des Plakats entspricht es ganz dem Geist des Cully Jazz

Source: http://www.cullyjazz.ch/de/2012/praktisch/ausstellung-galerie-davel14/

Carmilla Schmidt, Cully Jazz Festival
rue Davel 14
CH – 1096 Cully
tél / fax : +41 21 799 33 37

info@davel14.ch

For the ‘Salone Internazionale del Mobile’ 2012 furniture fair, the HEAD – Genève presents Inverse everything at the Istituto Svizzero di Roma – Sede di Milano. Enter the laboratory of a mad scientist who invites you to discover new experiences that break the classical laws of Newtonian physics.

Inverse everything presents the innovative design creations, space and objects, by students from HEAD – Genève, which were developed at a workshopled by El Ultimo Grito and Auger-Loizeau with the cooperation of Noam Toran. A proposal by Alexandra Midal.

HEAD – Genève welcomes you to Inverse everything, the ‘Topsy Turvy’ world of fiction science. Using ‘inversion’ as a fiction device to generate extraordinary contexts for the exploration of new social, spatial and technological interactions, the students of the Media Design and Space and Communication Masters programs, directed by Auger-Loizeau and El Ultimo Grito, have been working on a series of possible alterations to the way we live and understand the world around us.

Operating as a laboratory, Inverse everything is a testing space where visitors will be invited to take part on the ongoing experiments. You will be invited to join the gravitational studies group, who have been developing a device for the generation of ‘anti-gravitational portraits’ and find out how a human would look after a lifetime in a non-gravitational space. Then experience the different devices that replicate sensations and deliver visualisations
of non gravitation and multi-gravitational scenarios.
Engage with HEADFirst, a group of researchers working on the development of new telepathic technologies and training workshops and presenting a detailed historic timeline of how these technologies developed; from early experiments in the late 20th century to its complete assimilation in mid 21st.
Debate new possible concepts for the colonization of Gamma4, a frictionless planetoid, where buildings randomly circumnavigate its surface, colliding with each other thus opening exchange mechanisms and new economies.
And experience living products : what would it mean for the kitchen to come to life and for the ‘useful’ bits of domestic animals to combine with household appliances?

Throughout Design Week, the exhibition promises to transport the visitor from the hectic streets of Milan into captivating other worlds, radical aesthetic experiences and dreamlike landscapes of new possibility.

Khalil Klouche, Camille Dedieu, Jérémie Lasnier, Mariam Asatryan, Laura Couto Rosado, Li Yu, Alice Haldenwang (MA Media Design students), Faustine Lavorel, Cécile Fourcade, Camille Seewer, Michaël Mouyal, Maisa Moraes, Wendy Gaze, Tingting Zang (MA Spaces and communication students).

Opening: 18 April at 6:30 pm
Exhibition: 17 – 22 April 2012
17-21 April 10 pm – 9 pm, 22 April 10pm – 6pm

Istituto Svizzero di Roma – Sede di Milano
Via Vecchio Politecnico 3, 20121 Milano, +39 02 76016118, www.istitutosvizzero.it
Public transportation: MM1 Palestro / MM3 Turati / Tram 1 / Bus 61,94

Ronald KODRITSCH – Biografie

1970 geboren in Leoben
1990-92 Meisterschule für Malerei, Graz (Gerhard Lojen)
1992-97 Akademie der bildenden Künste, Wien (Prof. Gunter Damisch)
1995 Stipendium am Chelsea College of Art and Design, London
1996-03 Konzerte mit der Künstlerband Noch 3 km bis Lignano
1997 Diplom
1998-00 Aktionen im öffentlichen Raum mit den Poncho Brothers (mit Georg Pruscha)
2005 Parisstipendium des BKA
2008 Chinastipendim des BKA

opening
Sunday April 15. 2012, 7.00 p.m.
Duration until May 19. 2012

Elisabeth & Stefan Brunnhofer
BRUNNHOFER GALERIE

4020 Linz, Graben 3, mobil  0664 / 3818104
art@brunnhofer.at,    www.brunnhofer.at/galerie

David Kandalkar im Atelier

Seit 59 Jahren arbeitet David Kandalkar, der 1941 in Indien geboren ist, als Künstler.

David Kandalkar wanderte  zusammen mit seinem um zwei Jahre älteren Bruder nach Israel aus. Ihre Eltern konnten Ihnen erst einige Jahre später folgen. David besuchte eine Landwirtschaftsschule, an der er eine besondere Förderung genoss, denn der damalige Direkttor der Schule achtete auch auf die musischen Eigenschaften seiner Schüler. Da betrieb er bereits mit 12 Jahren in der Schule in Israel sein erstes eigenes Atelier.

Auf Empfehlung des Direktors hin durfte David seine „Malerei“ Marcel Janco, einem der Dadaisten der ersten Stunde, zeigen, der vom Talent des damals Fünfzehnjährigen überzeugt war und ihn sofort zu einer eigentlich für viel ältere Studenten vorgesehenen Sommerakademie einlud. Kontinuierlich beobachtete er Davids Werk während der nächsten Jahre, munterte ihn auf, sparte aber auch nicht mit Kritik. Zur selben Zeit gaben, unter der Leitung der Frau des Direktors, die Schüler der Landwirtschaftsschule Theateraufführungen; sie spielten mehr oder weniger das gesamte Repertoire des klassischen Theaters durch. So begann Kandalkar, nach seinem Militärdienst, als Schauspieler und Bühnenbildner an verschiedenen Theatern in Israel zu arbeiten, bis er sich entschloss, sich als Autodidakt ausschliesslich der Malerei und Skulptur zu widmen und ein weiteres Mal zu emigrieren, diesmal in London… Dort war der eigenständig arbeitende Künstler (Maler und Bildhauer) nebenbei abends und an Wochenenden auch als Schauspieler und Bühnenbildner tätig. Von seinen Erfahrungen an der Bühne profitiert er in dieser weiteren Laufbahn:  Denn eine Rolle übernehmen und ihren Charakter darzustellen, bedeutet, ihre innere und äussere Struktur zu fühlen und zu verstehen, ebenso wie die Materialien, mit denen er nun schafft, in  ganz ähnlicher Weise danach verlangen, dass er ihre verschiedenen Aspekte erkundet und kennt. Es ist wiederum eine Frage der Aufmerksamkeit und Präzision. Seine früheren Aktivitäten gehen in eins mit seiner heutigen Arbeit.

David Kandalkar lebt und arbeitet seit 1980, nach einer dritten Emigration, in Zürich.

David Kandalkar (ohne Titel)

In seinen Bildern setzt sich David Kandalkar intensiv mit Gegensätzen auseinander wie: natürlich und künstlich, organisch und anorganisch, Ordnung und Chaos, Harmonie und Disonanz. Die geometrischen, abstraken Elemente stossen in seiner Malerei immer wieder auf dynamische, breite Pinselstriche. Aus dem rektangulären Prinzip entwickelte geometrische Elemente stossen auf präzise, dynamisch runde, informelle Schwingungsbänder, die für den Betrachter wie gespannte Stahlfedern wirken. Präzises wird Diffusem gegenübergestellt, so gibt es Partien – Linien- oder Quadratraster, dominierende gleichstarke Diagonalen – die mit der Spritzpistole «gemalt» sind, während andere – insbesonders die Hintergründe in offenen Farbverläufen festgehalten werden.

Diese Gegensätze manifestieren sich auch in seinen Skulpturen, welche von klein bis mehrere Meter gross sind, aus den Materialien Holz, Stein, Stahl und Aluminium. David Kandalkar liebt die Flexibilität und die Bandbreite der Formungsprozesse, denen das Metall unterworfen werden kann. Es lässt sich hämmern und treiben, man kann es giessen, schmieden und schweissen etc. Vor allem schätzt er das nahtlose Verschweissen, wodurch die Einzelteile in der Gesamtform aufgehen. Beide – das kaum biegsame, spröde Holz wie das hoch flexible Metall, das verschiedene Aggregatzustände annehmen kann, bearbeitet er ihrem Charakter entsprechend.

Grosse wie kleinere Bilder, die erstmals zu sehen sind, und seine neusten Arbeiten, organisch geformte, bunte Metallskulpturen, wird er in dieser Frühlingsausstellung «l’heure bleue» zusammen zeigen.

Ausstellung vom 19. April bis 6. Mai 2012

ANOUSH ABRAR & AIMEE HOVING

Geneviève Favre Petroff, zeigt ihre wunderschöne Leuchtperformance “Lokum”.
Mit Licht, Tanz und Gesang evoziert sie die Schönheit und den Reichtum der orientalischen Kultur. Ihr Kleid besteht aus 124 Lokum Würfeln (türkische Süssigkeiten) von zunehmender Grösse, welche aufleuchten und Motive in Bewegung zeigen, die mit der Musik synchronisiert sind.

Geneviève Favre Petroff (*1978, Lausanne/CH) hat am Konservatorium Genf von 1997 – 1999 Gesangskurse belegt und von 1996 – 2000 an der Ecole Supérieure d`Art Visuel in Genf studiert.
Dem „performative turn“ in der Gegenwartskunst folgt Geneviève Favre, indem sie mit Gesang, Farbe und Space Rotations interaktiv Kunstraum erzeugt.

Bern Freitag, 16. März 2012
20.00h, 21.00h, 22.00h, 23.00h
Dauer: 20 Min.
Ort: Zentrum Paul Klee
http://www.museumsnacht-bern.ch/

http://genevievefavre.com

Manfred Kielnhofer: “Glowing Light Ball Bench”

The “Glowing Light Ball Bench” created by Manfred Kielnhofer is present on the Vienna Fair Wohnen&Interieur  “Design_Raum_Kunst” from 10th to 18th of March 2012

The bench which has a very simple design consists of three light balls and two wooden ore plexiglas boards perforates that lay over the light balls.

RGB Light technic by TechnikDesign.com
Plexiglas by ThyssenKrupp Plastics Austria
http://kielnhofer.at/blog/

Glowing Light Ball Bench by Manfred Kielnhofer
The “Glowing Light Ball Bench” created by Manfred Kielnhofer was present at the Light Art Biennial Austria. The bench, which has a very simple design, consists of three light balls and two wooden board perforates that lay over the light balls. Contrasting structural dynamics of the artist Manfred Kielnhofer provides analytically with his artistic work The “Glowing Light Ball Bench” more than one possible answer to this issue. Kielnhofer asks the viewer literally to an intellectual debate and intellectual, philosophical stimulation. Based on art and design relavante aspects of this work is based on philosophical thinking patterns that are complementary with social impact through the application and interaction. Materials and urban positioning, more variables which give the work of art this unique versatility and applicability. Whether moving, static, bright, swimming, driving, busy or isolated freestanding – the action itself defines the fine line to use artistic design, or art-oriented design to use. “The moment you try the artwork in my thoughts and words to capture, one realizes that this task almost limitless variations, offers viewpoints and approaches. Kielnhofer redeemed by shape, material, resulting in an avalanche of application functionality and solutions / results on different levels of perception.”
Artist Manfred Kielnhofer will appear in the upcoming issue 9 of EYES IN Magazine.

Dance and psychology come together at Bangor University this week (14 + 15 February 2012). In an exciting boundary crossing piece of research, Dr. Emily Cross, a psychologist at Bangor University, will be working with internationally renowned contemporary dancer Riley Watts to study what happens in our brains when we watch complex movements.

Cross and Watts are part of the Dance Engaging Science interdisciplinary research project, which seeks to stimulate dialogue, collaboration, and new research ideas between dance professionals and researchers in the cognitive and brain sciences. Cross’s research focuses on how we learn new movement from physical practice compared to observation, and she investigates such questions by observing people’s behaviour and measuring their brain activity with functional MRI scans. Through the Dance Engaging Science project, she has teamed up with Forsythe Company member Riley Watts, a talented young dancer with an interest in questions concerning how dancers learn to reproduce extremely unusual and complex movements. Watts will be joining Cross in her lab at Bangor University to help construct a new set of complex dance stimuli using the Vicon Motion Capture laboratory.

Says Cross, “it’s phenomenal to have this opportunity to collaborate with one of the most talented and diverse young dancers working today. The material Riley and I develop will lead to experiments that advance our understanding of how the human brain learns complex movement. In particular, we will be exploring aspects of observational learning, the results of which will inform how educators and therapists can best teach new motor skills to healthy people and those suffering from neurological or physical injury.”

Says Watts, “I am incredibly honoured to be involved in this research with Dr. Emily Cross. I’ve been a dancer for seventeen years and I find it thrilling to now have the opportunity to begin understanding dance from the cognitive science angle. I look forward to playing my part in the discovery of the brain on dance, and to use this knowledge to help understand the bigger picture of what it means to be a cognitive human being.”

Together, Cross and Watts hope this partnership will help illuminate how the brains of experienced and novice dancers, as well as non-dancers, are impacted when their bodies are challenged to move in ways they have never before experienced. Moreover, as their project is only just beginning, both Cross and Watts are excited to find ways to bring their research findings to life for a larger public audience through collaboration with Pontio over the next several months.

Provided by Bangor University

Der amerikanische Konzept- und Objektkünstler Edward Kienholz (1927–1994) schuf seit Mitte der 1950er-Jahre ein rebellisches und polarisierendes Œuvre. Im Zentrum seiner Arbeit, die er ab 1972 gemeinsam mit seiner Frau Nancy Reddin Kienholz realisierte, stehen Religion, Krieg, Tod, Sex und die abgründigen Seiten der Gesellschaft. Kienholz und Tinguely verbindet Zeitgenossenschaft, gegenseitige Freundschaft und Achtung vor der je anderen Radikalität des künstlerischen Schaffens. Die Ausstellung zeigt neben eindrücklichen kleineren Skulpturen eine Reihe der spektakulären, raumgreifenden „moralischen Tableaux“ und umfasst Werke, die zwischen 1960 und 1994 entstanden sind.
Rebellisch, provokant und polarisierend hat das Kienholz’sche Œuvre
seit seinen Anfängen Mitte der 1950er-Jahre stets grosses Aufsehen erregt: zunächst die Werke von Edward Kienholz (1927–1994) allein, später, ab 1972, die gemeinschaftlichen Projekte mit seiner Frau Nancy Reddin Kienholz. Kaum verwunderlich, stehen doch Religion, Krieg, Tod, Sex und die abgründigeren Seiten der Gesellschaft mit ihren sozialen Konflikten im Zentrum der Arbeit. Mit Themen wie der sexuellen Ausbeutung der Frau in der Prostitution, der Rolle der Medien oder den Auswirkungen von ethnischen Konflikten legen sie den Finger auf Bruchstellen der westlichen Gesellschaften, die bis heute kaum gekittet worden sind und dem Werk Aktualität verleihen. Eine Zeitgenossenschaft behaupten jedoch nicht allein die Themen, heute sehen wir Kienholz vor allem auch als Vorläufer zentraler Tendenzen der zeitgenössischen Kunst, wie sie uns etwa bei Paul McCarthy und Mike Kelley, aber auch in der Produktion von Jonathan Meese, Thomas Hirschhorn oder John Bock begegnen. Die Ausstellung im Museum Tinguely, die vom 22. Februar bis 13. Mai 2012 zu sehen sein wird, zeigt in einer grossen Zusammenschau die Essenz des Kienholz’schen Werks: von den ersten dreidimensionalen Arbeiten
kleineren Formats über die konzeptuellen Werke bis zu den raumfüllenden Tableaux.
Isabelle Beilfuss
Museum Tinguely | Paul Sacher-Anlage 2 | Postfach 3255 CH-4002 Basel | Telefon + 41 61 681 93 20 | Telefax + 41 61 681 93 21

Öffnungszeiten: Dienstag bis Sonntag 11 – 18 Uhr | Montag geschlossen